Los premios Godot 2023 han recaído en espectáculos de teatro y danza destacados en los Planes para el fin de semana que hemos venido publicando en 20minutos durante la temporada. Aquí reunimos una selección de las críticas aparecidas en su momento sobre ellos.
'La voluntad de creer' de Pablo Messiez
- Premio Godot Mejor Obra
- Premio Godot Mejor Autoría Teatral Original (Pablo Messiez)
- Premio Godot Mejor Intérprete Mujer (Rebeca Hernando)
Pablo Messiez deja una puerta abierta al exterior de Matadero antes de la hora prevista para el inicio de la obra, mientras el público ocupa sus localidades y los actores se dirigen a algunos de los espectadores, mencionando sus gestos o preguntando por sus nombres. "Me estás haciendo una fotografía, ¿cómo te llamas?", me preguntaba Claudia, embarazada, justo después de hacerle esta foto, no como reproche sino como constatación de un instante capturado.
Le respondí a ella, al personaje y a María Fantini, a las dos al mismo tiempo. La luz de la tarde penetra en el escenario. Es extraño ver luz natural en una sala de teatro. Un haz de realidad ajeno a la ficción que se funde en la sala y confunde al espectador, cuyo nombre además puede ser citado por los actores a lo largo de la representación.
La voluntad de creer se desarrolla en paralelo a la película Ordet (La palabra) (1955, Carl Theodor Dreyer), una de las obras más emocionantes jamás filmada, que puede atisbarse en un pequeño televisor a pie de escena. Terreno sagrado el que pisa el autor y director argentino, del que sale más que airoso.
Todo gira alrededor de Johannes/Juan, el profeta, el que se cree Jesús de Nazaret o quizás lo sea, ante la mirada de los actores daneses en la película de Dreyer, o entre su variopinta familia en la propuesta de Messiez. José Juan Rodriguez habita la sala Max Aub sabiéndose Hijo de Dios, se sienta entre el público, entra y sale del cuadrilátero blanco que, poco a poco, queda arropado entre paneles móviles hasta reconstruir la estancia donde se aguarda el milagro. En Juan aflora la sensación del que es ajeno a todo, al que todos compadecen y nadie cree… hasta que han de creerle.
Sus tres hermanas son opuestas, divergentes, lejanas unas de las otras, casi como en cualquier familia. A ellas se suman dos intrusos, un doctor y Claudia -quien me miraba en la foto- y que protagoniza una relación de pareja que cruza la obra de lado a lado, como esa diagonal que recorre buscando a Amparo para fundirse en la confesión de un yo desdoblado.
Rebeca Hernando compone una interpretación antológica como esa hermana mayor que casi parece la madre de todos. Chispeante, tajante y tronchante. Carlota Gaviño, Íñigo Rodriguez-Claro y Mikele Urroz completan el sexteto. Los diálogos que se alternan bajo combinaciones sugerentes, siempre despiertan nuestro interés, acompasados y en armónicas transiciones. El equilibrio entre la espiritualidad y lo mundano se calibra con especial maestría para redondear una función que desemboca en un final conmovedor, tras levantarnos una risa con la tapa de un ataúd. Lo más difícil.
'Loba' de Juan Mairena
- Premio Godoff
Bette Davis fue una de las más grandes artistas que han atravesado las pantallas cinematográficas, y no cabe duda de que Juan Mairena, autor y director de esta Loba que se representa en Nave 73 será de la misma opinión. En el texto se advierte la admiración por una personalidad tan mayúscula como esta actriz nacida muy cerca de Boston, que pasó por los teatros de Broadway antes de avistar las famosas letras gigantes de Hollywood que destacan en el Monte Lee, en Los Ángeles.
La obra recuerda el episodio, casi una broma teñida de amargura, en que la actriz envió a la redacción de Variety un anuncio por palabras para solicitar empleo en el año 1962, cuando atravesaba un bache en su carrera. "Madre de tres hijos. Divorciada. Treinta años de experiencia como actriz de cine. Todavía con movilidad y más amable de lo que dicen los rumores. Busca empleo estable en Hollywood".
Mairena firma un homenaje a la época dorada del cine bajo la que se escondían contratos leoninos, enemistades manifiestas y un ritmo frenético de producciones, que en el caso de Bette Davis la llevaron a un abismo trazado por un puñado de barbitúricos, finalmente superado.
Mélida Molina encuentra un notable parecido con la actriz, sustentado en la altiva mirada de la Davis y una precisa interpretación. Hace su aparición en una oficina periodística, surgiendo entre una nube de humo, envuelta en pieles.
Tras el estupor del plumilla al reconocer ante sí a su ídolo cinematográfico, se inicia una conversación apasionante entre ambos, el repaso a la vida de la actriz, no exenta de tropiezos y algún que otro gancho de izquierda, frente a los cuales se opuso la entereza de 'La Loba'. Así se la conocía en España a raíz de la película de William Wyler, The Little foxes (1941), al hilo de nuestras caprichosas traducciones de títulos. Wyler es uno de los nombres fundamentales en su carrera y en la obra se relata algún desencuentro amoroso digno de figurar en una película.
Sobre las letras gigantes de Hollywood al fondo de escenario se proyectan contadas pero oportunas pinceladas de la filmografía de Davis, para revivir los recuerdos de algunos momentos capitales: el baile de Jezabel (1938), con Henry Fonda aguantando el tipo ante las miradas suspicaces de los invitados -nunca un vestido ha sido tan rojo a pesar del blanco y negro-; una notable bofetada propinada a Errol Flynn; o el zarandeo con saña a su odiada Miriam Hopkins. Davis siempre buscó el realismo en sus escenas y nada la detenía.
Loba es una función inexcusable para cualquier amante del cine clásico, pero también para todo aficionado al teatro sincero y noble, que aquí cuenta con una gran interpretación de Mélida Molina, apoyada por la compostura acertada de Carlos Troya. En el personaje del periodista late el escritor que en un cajón guarda el guión para su película soñada, pero ha de sobreponerse a la falta de interés de la diva, que sólo se escucha a sí misma. Troya aporta un contrapunto necesario y ajustado, componiendo ambos una pareja de baile ideal.
Breves destellos musicales y un texto fluido, bien estructurado y pleno de detalles interesantes, consiguen que la función avance sin bache alguno hasta finalizar el encuentro. No hay opción para reparar en el reloj o en el móvil que es lo que se mira ahora.
'Carnación' de Rocío Molina y Niño de Elche
- Premio Godot Mejor Intérprete de Danza Mujer
Son dos figuras indiscutibles del panorama artístico actual. Rocío Molina y Niño de Elche, surgidos ambos del flamenco, pero con tendencia a las excursiones que les llevan a terrenos ignotos, gracias a una inquietud inmensa y talento para dar y repartir. Se han unido para este proyecto, Carnación, que se despliega en una de las Naves del Español, a lo ancho de un amplio espacio cubierto por una tela, con apenas una silla y varios bancos como escenografía. Las columnas industriales del Matadero delimitan la austeridad del encuentro.
No es un espectáculo de danza, no es un recital de flamenco y tampoco es una mezcla de ambas cosas. Se trata de una performance en la que asistimos al descubrimiento de dos seres que se relacionan, en primer lugar, con sus cuerpos, y secundariamente a través de su expresión natural, el baile y el cante. La selección de fotografías para esta breve reseña se hace complicada, dada la fuerza que cada una de ellas posee.
La bailaora y el cantaor se atan a sí mismos o se dejan aferrar con unas cuerdas muy presentes en la función, en un ejercicio de autolimitación o de entrega. Se atisba un cante por soleá mientras él agarra con sus dientes la trenza de ella y se deja llevar, arrastrar dulcemente. Vínculo inaudito que les conecta de modo tan surrealista.
Quizás el momento más intenso de la noche, aquél en que se hace el silencio y hasta las toses más recalcitrantes se detienen, se produce cuando, tras un buen tramo recorrido, ambos se miran a la cara y entran en contacto. Se atraen, se agarran, chocan entre nubes de polvo y se repelen en una aproximación furiosa. Palmean sus cuerpos y se abofetean antes de abrazarse, de despojarse de sus vestimentas, que recuerdan a las de un monje, y alcanzan la cercanía total rodando por el suelo. Una intimidad que para el propio Niño de Elche, como ha manifestado, nunca había alcanzado tal grado jamás en un espectáculo.
Intervenciones musicales destacables y ardorosas de Maureen Choi al violín, que incluso protagoniza un momento con cierto sentido del humor; la bella voz de la soprano Olalla Alemán y el coro Capilla Renacentista, en una aparición mágica, consiguen envolver el espectáculo en un adecuado ambiente. Todo salta por los aires en un final de fiesta en el que el volumen acústico retumba y la liberación es total. Carnación se presentó en la Bienal de Venecia de este año y allí recibió Rocío Molina el máximo galardón de danza, que no puede resultar más merecido.
'Coronada y el toro' de Francisco Nieva
- Premio Godot Mejor Elenco
- Premio Godot Mejor Música o Espacio Sonoro (Pablo Peña y Álvaro Romero)
El verbo imaginativo y libre de Francisco Nieva encuentra acomodo ideal en las Naves del Español en Matadero, donde corre sarcástico y surrealista. Allí se desarrolla la rapsodia española titulada Coronada y el toro, un festín enraizado en la cultura popular a la vez que en la palabra poética del siglo XX. El espacio escénico distribuye a los espectadores alrededor de la acción, de modo que se integra al pueblo de Madrid en las fiestas de Farolillo de San Blas que tienen lugar en la ficción.
Las fuerzas vivas de una población esperpéntica y desmesurada, manejadas a su antojo por el alcalde eterno Zebedeo, nos llega con la vara de mando de Chani Martín. Su mirada alucinada y el parlamento impetuoso, con ese aire de gañán para el que no se antoja complicado hallar ejemplos en los consistorios de nuestro país.
Jamás se vio en escena -que uno sepa- un chocolate con churros compartido con tal procacidad, como el que se untan sobre unos almohadones lanzados al centro los proscritos de esta función. La Dalga y la Melga, marginadas a las que se quiere extraviar en el bosque, ejemplo de personajes dobles de Nieva, como los alguaciles Panzanegra y Tenazo, brazos ejecutores del alcalde. Marauña, un torero por condena al que no acaba de salirle ninguna faena. Todas estas apariciones se amalgaman a través de saetas, tonás y demás cantes de Álvaro Romero, muy afinado en el son; mientras entre ellos se arremolina Eva Caballero como flamenca Mairena.
Jorge Kent, de ascendencia irlandesa pero tan manchego como Francisco Nieva, desde su altura en plataformas interpreta a El Hombre Monja de la Orden Entreverada, con media docena de tetas. Surge entre humo por donde debería haber aparecido el bufido del toro y causa pasmo en el pueblo con su profunda voz envolvente, atrayendo al personal. Esta sustitución causa consternación en el alcalde que no puede tolerar el escarnio.
Sobre todos ellos se impone como gran dama Nerea Marín, que aparece en escena vestida y peinada de manchega, pero al cabo del tiempo pasea su desnudez sin pudor, con gallardía de mantón, por suelo y gradas. Española y bruja, aguda y desafiante, como le reprocha su hermano sabiéndose un mequetrefe a su lado, firma una actuación sobresaliente de las que perduran.
La directora Rakel Camacho, albaceteña educada en la RESAD, logra sus propósitos con creces: "Todos mis intereses y motivaciones están centrados en adentrar al espectador en la ceremonia múltiple y el alegre instinto dionisíaco que nos regala Nieva. Me importa ensamblar, puesto que él lo hizo como nadie, el mundo clásico con el arte de vanguardia. Que nos agarremos a las raíces populares para gozarlas y redescubrirlas".
Las virtudes de todos los que aquí destaco sirven y hacen grande el texto fulgurante y espléndido de Francisco Nieva, que llega como irreverente bendición de nuestra lengua y encumbra su dramaturgia. Es infrecuente ver hoy en día a Nieva representado y, sobre todo, tan bien defendido.
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