Planes para el fin de semana: PHotoESPAÑA en escena y el mejor cine de animación 'made in Spain'

La fotografía escenificada de un maestro

El Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa acoge la exposición Erwin Olaf: narrativas de emancipación, deseo e intimidad, primera gran retrospectiva del fotógrafo sueco tras su fallecimiento, como inicio de PHotoESPAÑA 2024. Erwin Olaf está considerado uno de los renovadores de la estética narrativa de la fotografía escenificada, plasmando situaciones que parecen extraídas de perturbadoras películas o de universos definidos por un sentido monumental del encuadre.

Escenas que reflejan interiores de domicilios o despachos idealizados, perfectamente amueblados, de una pulcritud extrema, en los que las figuras aparecen en una soledad desamparada aunque confortable. Miradas que se cruzan con las nuestras reflejando una extrañeza, constituyendo un espejo de incomprensiones. Paisajes majestuosos donde tampoco se renuncia a la puesta en escena de los individuos que allí aparecen, empleando en ocasiones un blanco y negro repleto de grises. El propio artista aparece en numerosos autorretratos de una audacia excepcional, constituyendo una referencia de primera mano que permite jugar con el paso del tiempo y sus secuelas.

La gran sala de exposiciones del Fernán Gómez resulta idónea para desplegar estas obras de gran formato, facilitando la respiración de las mismas y la comodidad de los visitantes. Recorriendo la muestra con el director del teatro, Juan Carlos Pérez de la Fuente, y la directora de PHotoEspaña, María Santoyo, aparece también otra razón poderosa para ubicarla en este espacio: la teatralidad de muchas de estas fotografías. Las obras de Olaf poseen un genuino sentido de la representación, que encuentran acomodo a unos pasos de las dos salas del Fernán Gómez, donde también se levantan composiciones para el drama o la comedia. Conexiones escénicas.

Un potente tono rojo en las paredes y la visión de la piel desnuda en grandes fotografías, deja claro que, tras el umbral, entramos en una sección más atrevida. Es la que ocupan obras donde el deseo y la sexualidad imperan, siempre manteniendo la exquisitez en los escorzos y unas iluminaciones perfiladas para destacar el cuerpo desnudo. En ocasiones surge un erotismo sofisticado con algunos toques perversos. Olaf nos conoce demasiado.

Comparten dicho espacio un par de piezas escultóricas que se plantearon como protesta ante decisiones de carácter político. En concreto, las relativas al acoso sexual masivo cometido en una ciudad alemana; o la ocultación de esculturas de desnudos en la ciudad de Roma. No solo hay composición en Olaf, por tanto, cuando es una posición la que se requiere adoptar.

En una pequeña estancia, podemos mirar a través de rendijas un video donde un cuerpo se adivina entre espuma jabonosa. No es la única zona de la exposición donde se despierta nuestro lado 'voyeur', ya que más adelante podemos contemplar escenas inquietantes a través del ojo de unas cerraduras. Perversiones que Olaf advierte en todo espectador y trata de evidenciar con sentido lúdico y jocoso.

La riqueza de referentes y registros, la gran representación de obras, así como la exquisita calidad técnica de todo lo que se desvela en esta exposición, hace de ella una recomendación absoluta, no sólo para recorrerla en una ocasión, sino probablemente para repetir la visita. 

Un carrusel de personajes en 'Ficciones'

Estamos en el salón de un restaurante, colorista y ligeramente 'kitsch', en el que al entrar a la Sala Negra de Teatros de Canal se observa un revoloteo de camareros. Es el entorno ideal para servir un variado bufet de personajes que pronto aparecen en escena; ficciones que se ponen en juego por la compañía exlímite, en un artefacto teatral que esconde sorpresas para regocijo del público que asiste a estas funciones.

Pero, ¿dónde está el autor?, se preguntan los personajes en repetidas ocasiones. Incluso el director, que aparece interpretado por varias actrices, lleno de dudas y agobios que seguro sintió el auténtico y genuino, Juan Ceacero. El responsable último de estas Ficciones anidadas es Fernando Delgado-Hierro, y sobre este espectáculo ha reconocido que la intención es profundizar en este mundo actual, donde cada vez es más complicado discernir la ficción de la realidad. De hecho, en ese carrusel de tipos humanos, presentados micrófono en mano como introducción a sus circunstancias, hay personajes de ficción pura, que son los que vertebran la obra otorgándole un cariz fantástico, pero también recreaciones de personalidades reales.

Conocemos a una profesora de alfarería que siente una atracción morbosa por el sufrimiento físico y encuentra la horma deforme de su zapato; a una mujer que da a luz por un costado, no un niño sino una cabeza, e inicia un viaje de conocimiento mutuo porque la cabeza aprende a gran velocidad; o a una chica de Torrelaguna, incapaz de pasar un casting como actriz sin evitar una angustia paralizante.

A lo largo de las dos horas que dura la obra, seguimos estos tres relatos de manera alternativa, trufados de insertos por donde se cuelan nuevos personajes, como si en las atracciones de una feria deambuláramos. El envoltorio musical de estos entremeses disparatados es brillante y sofisticado, y en él aparecen bien escogidas notas de Bernard Herrmann, Henry Mancini o Béla Bartók, en un homenaje cinematográfico que se extiende a la música de Los Cuatrocientos golpes, cuando madre y cabeza-hijo apuntan sus películas favoritas. La factura es impecable, frenética y siempre sorprendente.

Surgen de ent re las cortinas personajes de la vida real, ya sea literaria o política, como la familia de los Panero, Jorge Luis Borges o María Callas. Comprobamos en algunos de ellos las cualidades como imitador de Javier Ballesteros, gran actor que siempre encuentra el tono adecuado. Junto a él, Ángela Boix, Leticia Etala, Beatriz Jaén y Macarena Sanz, ejecutan un auténtico encaje de bolillos interpretativo, repleto de movimientos y cambios de vestuario. Frenéticas idas y venidas con las que firman un gran trabajo colectivo lleno de imaginación y versatilidad. ¡Magníficos todos!

Esta fiesta finaliza en paroxismo, con bola de discoteca incluida, llenando las gradas de infinidad de reflejos, plasmación del caleidoscopio ejecutado en escena. El asombro del público, que aguarda el siguiente número en saltar a la pista, se mantiene durante esta visión poliédrica y heterogénea del mundo de la interpretación, en la que seguimos a unos personajes creciendo desde la nada, entrelazados. El divertimento consigue carcajadas estrepitosas que se cuelan entre hallazgos, apuntes y caminos que habrá de desbrozar esta compañía en su estimulante trayectoria. Muy recomendable.

Una muestra del mejor cine de animación español

La Fundación SGAE está llevando a cabo un ciclo dedicado a la animación española más reciente, que llegará hasta el sábado 18 de mayo en sesión doble (18.30h y 20.30h). Bajo el título Nueva animación, se exhibirá cinco títulos de reciente producción que nos recuerdan la elevada calidad de este género en España: Momias de Juan Jesús García Galocha; Robot Dreams de Pablo Berger, Dispararon al pianista de Fernando Trueba y Javier Mariscal, Unicorn Wars de Alberto Vázquez y El sueño de la sultana de Isabel Herguera. Hoy, la animación española estrena con regularidad proyectos destinados a todos los nichos de edad o de género, y lo hace con apuestas gráficas innovadoras y con registros plásticos muy variados.

Títulos que demuestran la amplitud genérica, estilística y de público de nuestra animación actual, y que la sitúan a la altura de las mejores industrias del mundo. En Momias, Juan Jesús García Galocha emplea la fórmula de la narración juvenil para un deslumbrante filme de acción; de un modo parecido al que usa Alberto Vázquez para subvertir los tropos de la animación infantil hacia una fábula trastornada y llena de atrocidad y violencia en la crítica transversal a la guerra que es Unicorn Wars. Pablo Berguer, por su parte, arriesga aún más en Robot Dreams con una película muda y de marcado corte existencialista que recrea el desasosiego de la vida moderna y corriente.

Derivando en la novela gráfica, Fernando Trueba y Javier Mariscal abordan el ámbito más noir cruzando referentes musicales y literarios en la interesante Dispararon al pianista, casi un manifiesto teórico de las apropiaciones en el arte. Y la cineasta Isabel Herguera recupera la idea onírica para contar, a través de una historia inspirada en los cuentos orientales e hilada por la belleza en la línea del Studio Ghibli, cómo la igualdad y la justicia han de imponerse siempre en cualquier conflicto en El sueño de la sultana.

Las últimas creaciones de Agustín Ibarrola

La galería Lucía Mendoza ha inaugurado su primera exposición individual dedicada a Agustín Ibarrola (Basauri, 1930 –Galdakao, 2023) en su acogedor espacio de la calle Bárbara de Braganza. Son obras de madurez en las que persiste la vinculación de su creación artística con los elementos de la naturaleza, y donde también se observa una frescura que suele aflorar en los pintores que llegan a los últimos años de existencia. La esencia siempre emerge tras un largo periplo vital, por diferente y variado que este sea para unos u otros.

Ibarrola impregnó de arte los elementos que rodeaban su vida -su casa o su jardín- siempre en contacto con la naturaleza, dejando su característica impronta en piedras, maderas y árboles, que adquieren una dimensión poética y ancestral. De todo ello tenemos muestra en las obras reunidas para la ocasión, ya sea en varas de avellano o en toscas traviesas, aunque también en una especie de asteroide que realmente está formada por papeles de periódico.

Acostumbra Lucía Mendoza a celebrar sus inicios de exposiciones fundiendo la expresión corporal, en forma de danza, con las obras seleccionadas. Es lo que modernamente se denomina diálogo, aunque resulte dudoso atribuir ese término a heterogéneos modos de expresión. El bailarín Raúl Rugarcia nos regaló unos breves pasos de danza recorriendo el espacio de la galería.

Poco antes, tuvimos la oportunidad de comentar con el hijo del artista, Irrintzi, las constantes que podían encontrarse en esta exposición de piezas postreras. No dudó en señalar que estas últimas obras de Ibarrola parecían expresar un grito de libertad, fruto del anhelo que surgía de un hombre que nunca se arredró ante el terrorismo nacionalista, pese a tener que vivir escoltado durante bastantes años. Una muestra más de independencia y entereza ante la intolerancia. Preciosa y preciada muestra de su arte.

'La verbena de La Paloma' en el Teatro de la Zarzuela

Nada más propio para estos días, en que también salen a la calle mantones, claveles y gorrillas para celebrar al santo patrón madrileño, que acercarse a la calle Jovellanos para asistir a La verbena de la Paloma, la obra de Tomás Bretón que ocupa un lugar especial en nuestra tradición lírica. La historia sucede en una calurosa noche de fiesta del 15 de agosto por la Virgen de la Paloma, donde los devaneos y los celos afloran a la vuelta de cada esquina. 

Álvaro Tato ha construido un prólogo escénico a esta obra, y se pregunta, haciendo memoria del día del estreno y compendio de las gentes que pululaban en aquella época: "Quién sabe qué sintieron los artistas que protagonizaron la apoteósica noche del 17 de febrero de 1894 sobre las tablas del Teatro Apolo, epicentro culto y popular del género chico, cuna del teatro por horas, faro lírico y canalla de la chulapería, imán de melómanos, proletarios, modistillas, gacetilleros, ociosos, intelectuales, altas damas, bohemios, fulleros, cigarreras, reventadores, morenos, horteras, aristócratas, pollos-pera y niñas bien de aquel Madrid hambriento y alucinado". 

Finaliza trazando un arco temporal hasta el día que aquel Teatro Apolo cerró sus puertas: "Quién sabe qué sintieron los artistas que pusieron en pie la última Verbena durante la noche del cierre del Apolo, el 30 de junio de 1929, para ser sustituido (malditos símbolos, ¡dita sea la!) por la sucursal de un banco".

Por su parte, Nuria Castejón, directora de escena y coreografía de esta versión de La Verbena… , reconoce "que no ha habido un solo día de este proceso de ensayos en que no me haya emocionado en algún momento escuchando el preludio, la mazurca o el dúo del Julián y la Susana". Ella ha querido dedicar estas funciones a los artistas y trabajadores de aquel histórico edificio tan lleno de vida, arte y raíces al teatro de entonces, y, cómo no, a sus padres —los inolvidables héroes de la zarzuela Pepa Rosado y Rafael Castejón—, herederos de la tradición del Apolo. 

Lo malo es que las entradas están prácticamente agotadas desde hace tiempo, con lo que hay que apresurarse o acudir a la puerta a probar suerte.

La música de Brahms por una orquesta extraordinaria

Budapest Festival Orchestra es una formación de calidad excepcional que ya nos ha visitado en ocasiones anteriores y por estos planes ha aparecido. Conducida por un gran maestro que, quizás, no ha alcanzado el reconocimiento que merece, Ivan Fischer, en su última comparecencia en el Auditorio Nacional, centró su atención en Richard Strauss, en un memorable concierto.

Llega ahora de la mano de IBERMÚSICA con un monográfico Brahms en el que intervendrán dos solistas invitados: Steven Isserlis y Veronika Eberle, que interpretarán el Doble concierto para violonchelo y violín. Se trata de la última obra concertante compuesta por Brahms, y sirvió como reconciliación con su buen amigo Josef Joachim, con quien había mantenido algún desencuentro.

La velada tendrá como colofón la interpretación de la Sinfonía número 4 de Johannes Brahms. Sobre el inicio de esta obra magna, una especie de vals lleno de encanto, escribe Álvaro Marías, en las notas al programa, que se trata de "uno de los más profundos y emotivos momentos del romanticismo alemán, con su anhelante, nostálgica inquietud, inconcebiblemente serena y majestuosa al mismo tiempo, sin sombra de histerismo, en la que las emociones lejos de desbocarse son controladas con la misma mano férrea que controla la escritura".

Dejo aquí la animada danza húngara que los músicos de esta orquesta servirán como aperitivo autóctono, para dar inicio a un concierto que se prevé delicioso.