La 77 edición del Festival de Cannes concluyó su andadura con un reparto de premios muy aplaudido en el palmarés decidido por el Jurado que presidió Greta Gerwig.
Si ahí encontramos a la actriz española Karla Sofía Gascón entre las galardonadas del elenco femenino de Emilia Pérez, nuestro cine también suma los premios para Jonás Trueba por Volveréis (mejor película europea de la Quincena de Cineastas) y Elena López Riera por Las novias del sur (Queer Palm de cortometraje para esta obra presentada en la Semana de la Crítica).
Crítica de 'Anora', de Sean Baker
[Competición]
El director de The Florida Project ha sido galardonado con la Palma de Oro de esta edición del festival por una de sus mejores películas, con la que Sean Baker sigue expandiendo su retrato de los márgenes cuarteados del sueño americano sin caer en el morbo ni la sordidez, sino demostrando un gran humanismo.
Mikey Madison (Better Things), con una actuación resplandeciente, es una trabajadora sexual de Nueva Jersey que entabla una relación con el hijo millonario de un oligarca ruso en esta comedia romántica convertida en frenético thriller nocturno a contrarreloj. La película imprescindible del año. Lee la crítica completa.
Crítica de 'The Shrouds', de David Cronenberg
[Competición]
Dos años después de la soberbia Crímenes del futuro, David Cronenberg sigue expiando el duelo por la muerte de su mujer en las películas más áridas y lúcidas de su demoledora filmografía. Con imágenes austeras y diálogos de gran aspereza encadenados en una historia de dolor que muta en comedia sexual y conspiranoica.
Con Vincent Cassel como alter ego mimético, Diane Kruger en dos papeles (y triple como voz de una IA) y la música de Howard Shore añadiendo como siempre un valor insondable al cine del canadiense, The Shrouds se siente íntima e impenetrable a la vez que abierta al dolor universal; como su extraña tecnología que permite seguir en directo la descomposición del cadáver de los seres amados. Lee la crítica completa.
Crítica de 'All We Imagine as Light', de Payal Kapadia
[Competición]
La película india galardonada con el Gran Premio del Jurado (la medalla de plata de Cannes) supone el advenimiento de una cineasta con mirada purificadora: Payal Kapadia, quien ya había dejado huella en el terreno del documental creativo con su anterior A Night of Knowing Nothing (2021). All We Imagine as Light es una película de profunda belleza y alta sensibilidad.
Comienza en Bombay con dos enfermeras y compañeras de piso que, como las Enfermeras de noche (1931) de William A. Wellman, compaginan su rutina laboral en el hospital con la búsqueda amorosa en la gran urbe. Kapadia retrata con la cámara en la calle los colores vibrantes y el bullicio perenne de la metrópoli portuaria, capturada con brío Nouvelle Vague, hasta un tercio final que conecta con el tailandés Apichatpong Weerasethakul en su alegato por el misterio como corazón cinematográfico.
Crítica de 'Caught by the Tides', de Jia Zhang-ke
[Competición]
El cineasta chino Jia Zhang-ke sigue embarcado en una suerte de revisión compiladora de su cine, que en La ceniza es el blanco más puro (2018) tomó la forma de un repaso más convencional desde la ficción y que en Caught by the Tides, usando sus propias películas como cápsulas de tiempo del último cuarto de siglo de China, construye una de las películas más libres y liberadoras que se pudieron ver en la competición de este año.
Su inseparable Zhao Tao recorre dos décadas de historia china como si fuera una prolongación de sus personajes de Unknown Pleasures (2002) y Naturaleza muerta (2006), cuyas imágenes reaparecen dotadas de nuevo significado en un collage narrativo que ante todo está impulsado por la fuerza del montaje, el flujo del tiempo en el que Zhubin Li busca a la protagonista, y que avanza imparable mientras decenas de canciones concatenadas van dando forma a un paisaje sonoro igual de absorbente.
Crítica de 'Grand Tour', de Miguel Gomes
[Competición]
Otra búsqueda melancólica entre amantes separados por océanos de tiempo y kilómetros de historia a lo largo del continente asiático. En este caso es el fabulador Miguel Gomes quien regresa a su mejor cine con una epopeya romántica en blanco y negro aún más ambiciosa que Tabú (2012): con los pensamientos íntimos de sus personajes y manifestaciones de arte popular, del canto y el baile a las marionetas, como vehículo narrativo para transitar el espacio entre dos cuerpos que se desean.
Grand Tour ganó el premio de mejor dirección con su inmensa colección de instantes reordenados. Imágenes en 16mm filmadas en Birmania (actual Myanmar), Tailandia, Vietnam, Filipinas, Japón y China, hasta un rodaje finalizado a distancia durante la pandemia de covid. Un rompecabezas con el espíritu viajero de Chris Marker dividido en dos, la huida de él y la búsqueda de ella, que tiene en la música popular el hilo de Ariadna con el orientarse para perseguir un reencuentro imposible.
Crítica de 'Eephus', de Carson Lund
[Quincena de Cineastas]
Dos películas (bueno, peliculazas) del colectivo indie estadounidense Omnes Films desembarcaron este año en la Quincena de Cineastas. Eephus es el debut de Carson Lund, director de foto habitual de Tyler Taormina, que aquí se pone al frente de una película deportiva y crepuscular capaz de conmover con su humanismo; su cierre, con Ol '55, quizás fuera el más hermoso de todo el festival.
Un grupo de jugadores de béisbol amateur se reúnen para un último partido antes del cierre definitivo del campo donde han construido su variopinta comunidad de deportistas errantes en muy baja forma. Con personajes que parecen sacados del universo Safdie (algunos actores lo son, literalmente) y un relato disperso, en la línea del primer Richard Linklater, el juego avanza teñido de melancolía; como si La última película (1971) fuera La última pachanga.
Crítica de 'The Substance', de Coralie Fargeat
[Competición]
La francesa Coralie Fargeat se postula como directora de la película más salvaje que ha competido nunca por la Palma de Oro (se llevó el premio de mejor guion) con una propuesta transgresora, sin freno de mano y con excelentes interpretaciones de Demi Moore y Margaret Qualley. La directora de Revenge (2017) recurre al terror corporal más gore y explícito para denunciar la reducción del valor de una mujer a la cosificadora mirada masculina sobre su cuerpo.
Sin cortarse ni un pelo en los litros de sangre, en los efectos especiales prácticos ni en el tono histriónico, The Substance estalla como grotesco relato-manifiesto de puesta en escena milimétrica, fetichismo del quebranto físico y violencia a todos los niveles sobre el cuerpo. Lee la crítica completa.
Crítica de 'Flow', de Gints Zilbalodis
[Un Certain Regard]
El letón Gints Zilbalodis asombró de forma considerable con su primer largo de animación digital, Away (2019): la historia de un muchacho solitario y silente que el mismo director había creado en soledad y silencio empleando un software destinado al desarrollo de videojuegos. Su siguiente largo, Flow, que emplea una tecnología análoga, supone un salto de ambición solo equiparable a su excelente resultado.
Esta vez el protagonista es un pequeño gato que habita un mundo sometido a cíclicas inundaciones y del que parecen haber desaparecido los seres humanos; sí hay otros animales, como perros, capibaras, aves y monos que en algún momento se unirán a la aventura del felino. Esta vez Zilbalodis ha trabajado con un equipo, y ese mismo espíritu colaborativo se ha trasladado a la narración, de nuevo sin palabras pero enfocada a la creación y descubrimiento constante de un mundo que colma de fascinación nuestros ojos. ¿Así se sintieron los primeros espectadores de Studio Ghibli en los ochenta?
Crítica de 'Oh, Canada', de Paul Schrader
[Competición]
Desviándose ligeramente de su última (y excelsa) trilogía de la redención de personajes masculinos torturados (El reverendo, El contador de cartas, El maestro jardinero), Paul Schrader ha vuelto a adaptar a su amigo el novelista Russell Banks, fallecido el año pasado, con una película mortuoria y dubitativa, que parece que se va a romper a cada fotograma y que con su propia fragilidad alcanza un efecto piadoso.
Richard Gere interpreta a un célebre documentalista en sus últimos compases de vida, comido por la demencia y ciertas culpas privadas, que está siendo entrevistado por antiguos alumnos suyos. Él quizás quiera aprovechar la ocasión para confesarse a su mujer (Uma Thurman), pero los quiebros de su memoria al rememorar su vida (con Jacob Elordi interpretándolo en la juventud) mezcla recuerdos con invenciones, actores en distintas líneas temporales, color con blanco y negro. Un ejercicio de disolución de la identidad que remueve y conmueve profundamente.
Crítica de 'Megalópolis', de Francis Ford Coppola
[Competición]
Arquitectura, escultura, política, utopía, corrupción, sexo, ambición y pulsión de muerte. Todo cabe en el circo romano de Francis Ford Coppola, que ha levantado una ambiciosa fábula de ciencia ficción retrofuturista que desea por todos los medios expandir el poder comunicativo de las imágenes.
Adam Driver es un arquitecto de gran intelecto y megalomanía, Nathalie Emmanuel la hija de su rival político (Giancarlo Esposito, alcalde de Nueva Roma) enamorada de él, Jon Voight un rico banquero, Aubrey Plaza una ambiciosa reportera y Shia LaBeouf... bueno, un papel típico de Shia LaBeouf en esta defensa de los saltos al vacío en todas sus vertientes. Lee la crítica completa.
Crítica de 'À son image', de Thierry de Peretti
[Quincena de Cineastas]
Thierry de Peretti, director del mejor narcothriller reciente (Un escándalo de Estado, 2021), vuelve a la violenta historia de su Córcega natal que ya había tratado desde el ámbito familiar en A Violent Life (2017), y que aquí refleja desde otro tipo de familia: la que se construye por afinidades y afectos más que por la sangre (derramada).
Adaptación del novelista corso Jérôme Ferrari, se remonta a los años ochenta para trazar una compleja radiografía del terrorismo nacionalista del Frente de Liberación Nacional de Córcega (FLNC) a través de los ojos de una fotógrafa activista y simpatizante, encarnada por Antonia Buresi. Una crónica de violencia e identidad de grupo, tan dinámica como Uno de los nuestros, que retrata una etapa histórica de forma nada condescendiente ni oficialista.
Crítica de 'Slocum et moi', de Jean-François Laguionie
[Cinéma de la Plage]
Programado de manera bastante luctuosa en la sección de cine playero, la nueva película de animación del octogenario Jean-François Laguionie (un histórico del círculo de Paul Grimault y Michel Ocelot cuyos cortos de los años sesenta y setenta ensancharán los ojos a quien se asome a ellos) finalmente tuvo proyección dentro del Palais gracias al fuerte viento que impidió su estreno de tapadillo al aire libre.
Escrita por el propio Laguionie y su colaboradora habitual la escritora Anik Le Ray, Slocum et moi, cuya animación 2D de línea clara y colores suaves es pura filigrana, cuenta una historia nostálgica ambientada a finales de la década de los cincuenta a orillas del río Marne. Allí viven el protagonista de 11 años y sus padres, cuya vida gira en torno a una obsesión: el empeño del progenitor por construir en el patio trasero un barco que replique exactamente aquel con el que Joshua Slocum circunnavegó el planeta. Una joya conmovedora sobre la aventura de conectar con los demás para conocerse a uno mismo.
Crítica de 'Christmas Eve in Miller's Point', de Tyler Taormina
[Quincena de Cineastas]
La otra propuesta de Omnes Films incorporada a la Quincena de Cineastas es el tercer largo de Tyler Taormina, a quien podríamos considerar un discípulo aventajado de la libre atomización de personajes y relatos del primer Richard Linklater con la observación meticulosa del paisaje natural y humano de James Benning. Y resulta que su nueva película es una divertidísima película navideña (bueno, más bien mil películas navideñas en una).
Una familia italon-americana de Long Island (Nueva York) se reúne para celebrar la Nochebuena y, como si cada miembro (más sus vecinos, incluso los policías locales) se reflejara en una bola caleidoscópica del árbol de Navidad, se multiplican las microdosis de relatos protagonizados por cada uno de ellos, abordando géneros tan dispares como la comedia absurda, el documental observacional o el drama bergmaniano. Todos tan reconocibles pero únicos como un copo de nieve al microscopio.
Crítica de 'Bird', de Andrea Arnold
Después de una poco gratificante travesía por la realización alimenticia en el mundo de las series estadounidenses y el estreno del documental Cow (2021), el regreso al largo de ficción de la cineasta inglesa Andrea Arnold supone una vuelta a su terreno más conocido, tanto que podríamos considerarlo zona de confort.
En Bird están todas sus señas de identidad: la filmación naturalista, la narración impresionista, los actores naturales combinados con profesionales (aquí, Barry Keoghan hasta arriba de tatuajes y el siempre cautivante Franz Rogowski), los planos-cojín con imágenes tomadas de la naturaleza (especialmente las aves han sido presencia constante en su cine), historias de maduración quebrada y afectos asalvajados... Después de fugas tan estimulantes como Cumbres borrascosas (2011) o la exploración USA de American Honey (2016), sabe a poco que toda la diferencia de Bird con, por ejemplo, Fish Tank (2009) acabe cifrada en el recurso al realismo mágico.
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